绘画的艺术形式(6篇)
绘画的艺术形式篇1
二、“墨”、“色彩”在二者的绘画中的表现
“墨”之于中国画的意义等同于“色彩”之于西方绘画的意义。在徐渭的绘画中,不同的画面追求着不同的墨色效果。如在画雪景,染水墨背景时滴上胶矾点子,以表现飞雪;画松皮石时滴上胶矾点子以表示石皮斑驳之痕,等等诸多对于墨法的独特运用;文森特·梵·高的绘画中,在色彩上的明亮是与跳动的笔触相一致的,色彩的表现是其又一大特点。他的用色大胆、鲜艳,有着夸张的意味。这在他给提奥的信件中说:“我在处理色调时,保持着跟描绘对象一定的联系和一定的正确性;但是我不太计较我的色彩是否与对象完全一样,只要它在画布上看起来美——跟在对象上看起来一样美,就行了。色彩自身表达某种东西。”很难以想象如果在文森特·梵·高的画作中失去了这些明朗的使人安定、快乐、激动、梦幻的色彩之后将是什么样子。在二者的绘画中,其“色”的运用是对于“笔”的进一步完善,无“色”,“笔”就是空洞的、乏味的,是直观的显现;笔是色的承担者,无“笔”,“色”则是一滩死水,没有生命力。
三、中西方绘画艺术中笔墨与笔触异同
在徐渭与文森特·梵·高的绘画艺术的比较中,可以看到,中西方绘画艺术中,对于笔触的运用是一致的。如果说中国画的中“笔墨”是“形而上”的,那么西方绘画中“笔触”是“形而下”的。“笔墨”作为中国画的特色表现形式,更多的是受到哲学思想的影响,在表现上也多倾向于对于精神的追求,也赋予它更多思想上、精神上的深层涵义。而西方绘画中特别是近现代的绘画中“笔触”作为其画面的主要表现形式,更多的是物质的表现,即对于实际绘画过程中纯粹的技法的表现。从后印象派之后,西方绘画艺术中对于“笔触”的重用可说是到了淋漓尽致的地步。之后的野兽派,纳比派等等,无不是对“笔触”有着同一却又个性化十足的发挥,使西方绘画艺术又达到一个全新的高度。而在这些艺术团体中,也不能忽视,中国艺术样式对于西方绘画艺术发展的影响。
绘画的艺术形式篇2
关键词：数字绘画；传统绘画；数字技术；商业设计
“就像其他艺术形式一样，绘画艺术的表现手法和语言也总是随着社会生活和科学技术的发展而发展的。随着信息时代的到来，数字应用技术的出现、成熟，更为我们带来传统思维难以企及的表现形式，压感笔、三维扫描、动态传感……这一切宣告了艺术表现语言已进入了一个全新的时代。”在这个“全新的艺术时代”中，数字绘画首当其冲，在表现形式和艺术观念方面均有别于传统绘画，为绘画艺术注入了新的活力。这门崭新的“数字化”绘画形式已经引起了艺术家和绘画爱好者的广泛关注。
数字绘画又称“数码绘画”、“无纸绘画”，是指创作者主要借助计算机完成的数字化绘画作品。数字绘画涵盖的范围很广，一般分为偏重纯艺术性的数字绘画和偏重商业性的绘画两种，后者主要包括商业插画，动画与游戏设计的原画、分镜头脚本(故事板)，服装设计、环境艺术设计效果图等等。数字绘画已经融入到我们的日常生活当中，通过网络、书籍、影视等传播媒介，随处可见的不同风格的数字绘画作品，以时尚前卫的绘画理念和强烈夸张的视觉效果迅速得到了年轻群体的欢迎。
数字绘画的产生距今不过是五六十年的时间，相比于15世纪便出现了的传统油画，这短短的几十年显得微不足道，但数码绘画发展速度之快、势头之猛，是早期的数字艺术创作者们所始料不及的。从20世纪50年代第一台图形显示器问世，到60年代初大多数计算机图形设计相关辅助设备(绘图仪、数位板、压感笔、彩色显示器)的出现，计算机内存容量，CPU运算速度成百倍的提高和性能价格比的大幅度改善，各类不同型号的图形输入输出装置和各种不同应用器的图形软件系统应运而生，为电子计算机图形的应用和普及创造了必要的条件。此时，并没有所谓的数字绘画说，数字技术的兴起与发展，完全是为了对计算机技术无限潜能的探寻和开发。在不为人知的情况下，数字绘画逐渐崭露头角，出现在人们的视野之中。它的起源可以呗追溯至1952年，据相关资料记载，美国人本?拉普斯基用一种类似计算机的电子设备和一种电子阴极管示波器创作了他的一件呗称为“ElectronicAbstractions”的作品，四年之后，他有创作了一种彩色图像。同年，Herbertw，Franke在Vienna创作了具有艺术意味的示波图。但是他们的作品还不能完全被称为数字绘画，因为他们的创作目的更偏向于计算机领域的科学试验。人们比较公认的最早使用计算机绘画的人是K，A1seben和w，Fetter，1960年他们在德国进行的绘画探索颇受世人关注。但使用计算机绘制出真正意义上的数字绘画作品却是五年之后的事情了。1965年，不同国家的好几位艺术家分别独立完成了各自的数字绘画作品，他们是FriederNakc和GeorgNees(德国)，A.MichaelNoll，K.C.Knowlton，B.Julesz(美国)。随着他们作品的问世并取得了成功，数字绘画便登上了艺术史的舞台。受到了越来越多的关注，并随着数字技术的发展不断获得突飞猛进的发展。
随着绘画技法和绘画风格的逐渐成熟，数字绘画由早期的实验性创作走向了商业领域并与商业设计逐渐融合在一起，由于其不同于手绘作品的崭新视觉效果和流通传播的便捷性，以及低成本高效率。很快便得到了设计界人士们的热捧。在商业设计领域取得的成功，促进了数字绘画在观念、创作技法以及绘画工具的使用等诸多方面的发展和升级。进入21世纪之后全球经济的高速发展加速了消费时代的来临，商业设计的门类划分得以细化，偏重商业用途的数字绘画与商业设计结合得更加紧密，从模拟手绘风格的商业海报到家居设计的效果图，从动画创作中的原画与故事板到服装设计的创意手稿。短短五六十年中，数字绘画所涉及的领域，涵盖的创作范围，令传统艺术望其项背。
与当代艺术作品更多的强调观念和主观的精神世界不同，数字绘画艺术家似乎对探寻数字绘画技巧和丰富的表现力更有兴趣，他们可以不受绘画媒介和工具的限制，最大限度的强化作品令人惊叹的艺术表现力和视觉冲击力。在传统绘画领域，绘画媒介和工具材料的限制使得不同门类的艺术家们都不约而同的致力于各自画种所独有的绘画语言的使用，例如油画的肌理和色彩，中国画的笔墨韵味，水彩画的水性与通透等等。但对于数字绘画领域来说，艺术家却可以完全抛开绘画门类的概念，一张数字作品可以集众多绘画表现形式和技法于一身，这种绘画语言的自由性决定了数字绘画必将呈现出丰富多变的视觉样式。此外，由于数字绘画领域内具有代表性的艺术家和作品并不多，从严格意义上讲相对成熟的数字绘画风格并没有形成，从而为众多年轻的数字艺术家们提供了无限的发展空间和潜力，越来越多的具有深厚传统艺术底蕴的艺术家们拿起了压感笔，在电脑屏幕上继续着他们的艺术探索。大批由传统绘画转向数字绘画的艺术家和爱好者们的大量艺术实践。确保了数字绘画的艺术性和绘画性得以进一步发展。
绘画的艺术形式篇3
语言是人们用来表达情感，交流思想的一种方式。绘画是一种视觉语言，通过画面我们能够感受到画家的思想和情感。一个画家如果不能真正对自己绘画作品里的语言进行很好的锤炼，那他就不可能成为一个优秀的画家。当代插画艺术受社会意识和创作手段的影响，被广泛地应用于广告宣传、包装设计、杂志书籍等领域，它把绘画和设计巧妙地融合在一起，结合当代艺术和科学技术，运用时尚的视觉元素表现流行文化。综合绘画也以其材料的多变性和较强的可塑性，不仅仅作为一种绘画形式，逐渐发展成为一种视觉语言，对当代艺术的发展产生了深远的影响。
关于插画艺术的创作语言
1.插画艺术的历史发展概述
插画艺术又叫做插图艺术，是传统绘画艺术的一种。早期插画主要是指插附在书刊中的图画，有的插图是印在文章正文的中间，有的则采用插页的方式，对正文的内容起到补充说明的作用，有的就单纯是作为艺术欣赏的范本而出现的。随着时代的发展，插画的内涵变得更为广泛。现代插画不仅包括出版物插图、杂志、影视、广告插画以及游戏美术设计等形式，它还广泛的存在于平面和电子媒体、商品包装、影视海报等之中，成为人们视觉文化的重要组成部分。现代插画作为现代设计的一种重要的视觉传达形式，以其直观的形象性，真实的生活感和美的感染力，在现代设计中占有特定的地位。
插画有着悠久的发展历史，从最古老的洞窟壁画到日本江户民间版画浮世绘，无一不在展示着插画的发展。早在十九世纪初，插画就已经随着报刊、图书的变迁而发展起来，但是它发展的黄金时期是本世纪五六十年代从美国开始的，那个时期插画刚从美术作品中分离出来，带有明显的绘画色彩。之后插画又受到抽象表现主义画派的影响，从具象转变为抽象，直到70年代，又重新回到了写实风格。中国最早的插画是以版画形式出现的，随着佛教文化的传入而逐渐兴盛起来。目前，我国有史记载的最早的插画作品是唐肃宗时刊行的《陀罗尼经咒图》。刊记确切年代的则有唐懿宗咸通九年（868年）的《金刚般若经》所附的扉页画图。到了宋、金、元时期插画的应用范围扩大到了医药书、历史地理书、考古图录书等书籍中，并发展出现了彩色套印插画。明清时期是我国插画艺术发展的鼎盛时期，不同的地域也形成了不同的风格。
社会发展到今天，插画艺术在社会的各个领域中都有了广泛的应用，插画艺术也进入了商品化时代。插画艺术不仅拓展了我们的视野，开阔了我们的心智，还给我们创造了无限的遐想空间。随着新的绘画材料以及绘画工具的发展，插画的概念已经远远超出了传统插画的范畴，插画艺术家也逐渐开始打破传统插画创作观念，他们不再局限于某一风格，不断尝试各种不同的插画材料和插画的表现方式，大大拓展了插画艺术的发展空间和表现领域。
2.插画的语言表现特点
现代插画主要对现代人们的都市生活进行描绘，成为一种表达生活的语言形式。
（1）插画艺术的色调表现
插画艺术的色调比较统一、线条也错落有致、造型简单大方、插画的色彩非常丰富。插画因其色彩的多样性和复杂性而形成了一个独特的知识学术体系。色彩美学是人们对色彩的属性、感知以及调色方法、配色原则等一系列问题进行探讨研究的理论体系。人们对色彩都有不同的喜好，这种特点不仅受民族和地域的影响，更重要的是受年龄、兴趣、性格等差别的影响。人们对色彩的好恶差异体现在生活中的方方面面。色彩在某些时期的阶段性差异也很强，这与审美趋势、潮流时尚、社会发展等息息相关。线的表现力来自于线的情感内容，线条的变化体现了情感的变化。在现代插画中，线条简单凝练，简约时尚，这也是现代插画艺术追求的表现形式。
（2）插画艺术的艺术表现手法
插画本身就具有社会美学价值，它提高了公众的审美，促进了视觉文化的繁荣和发展，插画最主要的特点就是画面优美，具有视觉冲击力，通过这种最直观、最简单的冲击，向人们传达作者想要表达的思想。插画艺术的表现形式多种多样，之前插画多以手绘水彩的方式为主，而现在多采用电脑绘图或者以手绘起稿、用电脑上色的方式为主，以单幅或者系列的形式呈现出来。从画面的内容来看，插画多以人物、景物或者两者相结合为主，采用单色或者彩色的方式进行创作。当然也有一些插画按照题材内容或者社会功能、目的的不同而采用其他表现方式。总之，不管以哪一种内容、哪一种表现形式，插画艺术都是社会生活中不可替代的一种艺术形式。
（3）插画题材比较鲜明
具有时代特征的文化理念和科学技术对插画的发展有着极其重要的影响作用。随着文化发展逐渐迈向多元化，插画艺术逐渐向时尚性和娱乐性靠近。画家通过对现代社会生活片段的描绘，体现当代社会的流行元素，彰显出它的大众娱乐性。
传统绘画材料和数码工具在现代插画创作中的应用
相对于现代的数码技术、电子设备等现代化绘画工具，传统绘画材料包括油画材料、水墨、水彩、版画、铅笔等。为了能够最大程度的保持绘画的感觉和技法表现形式，一些插画师始终坚持使用传统绘画材料进行创作。然而，更多的插画创作者选择接受数码技术，利用数码技术开发的专业软件，如Photoshop、Painter等具有强大功能的软件，能够模拟出水粉、水彩、彩铅等真实的艺术效果。强大的数码技术还可以控制绘画工具的大小、软硬、透明度和笔触等属性，将不同的材料、机理融合在一起，形成新的视觉效果。电脑软件还能够对绘画进行艺术叠加，利用涂层的混合模式和不透明度的设置将不同涂层之间进行混合从而形成一种独特的视觉效果。现代插画艺术站在巨人的肩膀上，将油画、国画、水彩、摄影、数码技术等统统收入囊中，为插画艺术创造了广阔的发展前景。
1.当代插画艺术的发展状况
不同的创作手段在插画中开始运用、融合具有时代特征的文化理念和科学技术对插画的发展有着极其重要的影响作用。随着文化发展逐渐迈向多元化，插画艺术也有了更为广阔的发展空间。在传统的油画、水彩、铅笔等绘画方式中往往采用单独的绘画材料，而当代插画设计却将他们巧妙地融合在一起，跟潮流的设计符号组合在一起，在艺术创作中创造了丰富的视觉效果。
2.插画艺术的商业应用逐渐多样化
插画最初使用的是纸质、木板等材料为载体，具有对文字加以解释说明的作用。现代插画随着载体的多样化，逐渐被广泛的应用于广告宣传、服装设计、影视多媒体等领域。在这个数字时代，数字技术成为各类传媒的核心技术。插画的创作方式也开始向摄影、电脑图形创作等多种工具和材料相结合，利用计算机软件对插画进行效果处理的现代化创作方式转换。数码技术的逐渐成熟和电脑的普及应用是时尚插画多元化发展的重要因素，而印刷技术和喷绘技术等技术的进步为插画的应用扩展提供了前提条件。插画从古展到现代，形式和手段发生了惊人的变化。但它通过视觉语言向公众传达信息、情感等的目的始终没有改变，现代插画艺术的创作手段使情感和信息的表现更加形象、直观，意图也更加的生动、准确。随着社会的发展，插画的创作方式将会更加便捷，也将更加适用于现代化的各种媒体传播，对社会经济的发展起到推波助澜的作用
综合绘画的创作语言
1.综合绘画的概念
综合材料绘画，是用于界定现代绘画中那些非传统材料的绘画作品的。比如画面上粘贴报纸、麻袋、金属，然后再用颜料作画的，还有一些绘画技术和装置技术结合但是偏静态绘画的，不一而足，难以一概而论。并且是在同一绘画作品中使用多种材料和技巧进行作品创作的一种创作方式也没有既成的传统和体系，多半带有即兴色彩，要找一个比较权威比较全面的论述，也是比较难的。早在20世纪初，毕加索等人就曾将墙纸、油画布和硬纸板等材料拼贴到画作中，用沙子、木屑等制作各种效果机理。综合材料作为当代艺术创作的一种新的表现方式，以其特有的形式拓展了传统绘画艺术的表现空间。随着社会的发展和进步，现代绘画艺术呈现出百家争鸣的多元局面，大众的审美和画家的观念也都在慢慢的发生改变，传统的单一的绘画材料和形式已经不能满足他们的要求。画家们也开始对绘画材料和表现语言进行研究和创新，尝试用不同的途径和不同的材料来传达信息。综合材料作为一种载体，能够带来丰富多彩的视觉感受，对拓展艺术家的想象力产生了极其重大的作用。画家们挣脱传统表现形式的束缚，创新思维，利用综合绘画材料的可塑性，逐渐将其发展成为一种艺术思维形式。
2.综合绘画的语言特征
（1）综合绘画语言形式的表达
造型、色彩、材料是绘画语言的三大基本元素。综合绘画的语言具有独特的语言形式，它的特征取决于材料自身的物质属性，其中包括材料的外观、色彩、材质等以及它带来的相关性和指向性。这种相关性和指向性成为综合材料绘画特有的表现方式。艺术家的创作就是要充分挖掘材料属性中的审美价值，利用材料的物质属性以视觉语言对人们作出启迪和暗示。另外，综合绘画中具有较强的情感性特征。综合绘画语言形式和其他绘画的语言形式是一样的，都是画家对物象的认知和内心情感的一种表达方式。寻找一种合适的材料进行情感的表达，是综合绘画语言形式作为艺术家情感表达的前提条件。
（2）综合绘画的材料运用
随着社会的发展，绘画的功能作用也在不断的发展变化，从绘画的诞生发展到现在，综合绘画的材料也在不断的变化着。在当代绘画艺术领域中，艺术表现的对象和主体已经从根本上发生了变化，综合绘画成为一种特殊的表现形式，它在技法和风格上都更加自由，更加符合现代多元化的艺术趋势。现代综合绘画中绘画材料的运用已经远远超出了材料本身的含义，材料的选择范围也在不断地扩大。从某种程度上来说，只要能够达到表达艺术家情感和观念的目的，一切材料都能用于艺术创作。当然，材料的应用与艺术家的个人爱好与观念有关，他们往往根据自身的情况来寻找最为适合的材料和艺术表现形式。综合绘画材料更强调采用多种表现方式，更关注对绘画的本质的理解。总的来说综合绘画给当代绘画艺术带来了不一样的视觉感受，对艺术家的艺术创作方式产生了非常深远的影响，对大众的审美习惯也有了很大的改变。
插画艺术与综合绘画之间的创作语言联系
插画是绘画的一种，从某种意义上来说，绘画艺术是一门基础学科，而插画艺术是一门应用学科。在现代绘画领域里，插画艺术采用简单的线条，遵循审美与实用相统一的原则，运用图案表现形象，是最具有表现性的一种绘画艺术。插画艺术的许多表现手法都借鉴了综合绘画艺术的表现技巧。不论是在表现技巧、表现力上，还是在设计主题的深度、艺术魅力上，综合绘画艺术对插画艺术都有着深远的影响。尽管插画专业与绘画在造型表现上有互通的地方，但如果硬性嫁接，会忽视双方各自的学科特点，造成学科特色不鲜明的问题。
随着社会的发展和进步，插画艺术的应用范围在不断的扩大，如何将插画艺术与综合绘画有效的结合在一起，取彼之长，补此之短，是每一个绘画艺术学者面临的难题。绘画性插画能够根据不同的设计意图采取不同的切入点，例如，形象、颜色、肌理等，可以不表现写实的空间，也可以采用装饰、构成、拟人、卡通等综合表现形式。综合性插画运用绘画作为创意表现的一种表现形式，绘画有多少种分类，插画也可以有多少种分类。例如，采用油画、水彩、钢笔素描等形式对插画进行多种多样的表现，使其各具特色。绘画性插画在深刻表现主题的前提下，追求技巧的多样性，从而比插画和绘画更具有表现力。
总结语
绘画的艺术形式篇4
装置艺术对中国架上绘画的影响文章来自3edu教育网
20世纪50年代至60年代初,中国处于建国初期,且当代艺术尚未萌芽,为宣扬新中国的诞生,中国的架上绘画基本可以概括为歌颂式的绘画,都是为了表现美好新中国而创作,歌颂式和浮夸风式题材的绘画基本发展成主要的艺术思潮,架上绘画基本上服务于政治,画家们的思想受到了一定程度上的限制,所有艺术的意识形式依然沿袭着传统。
60年代中后期,是中国历时十年的文化大革命时期,更是架上绘画的黑暗时期,政治绘画几乎占据了整个艺术界,以“高、大、全”、“红、光、亮”的表现手法歌颂领导人是那时文艺工作者所必需的理念,由于当时的“当代艺术”和“前卫艺术”的概念尚未从西方传入中国,加上当时中国社会的政治环境,很多艺术家在创作的时候都很小心翼翼,贸然的创新只会被加上“反革命”的帽子,所以这个时期基本上没有自由的艺术作品,绘画带有严重的政治特性。改革开放以后,中国经济开始迅速发展,中国架上绘画开始呈现“百花齐放”、“解放新思想”的热潮,很多文艺工作者开始接触外来文化,并从中吸取养分,他们渴望对自己的作品进行大胆的创新,无论是技法、观念、题材,甚至到表现形式,都需要注入新的观念。
80年代的中国,传统架上绘画发展到了一定程度,艺术家们总会在作品的精神本质和表现形式上寻找突破性,而这正值是装置艺术开始影响中国的时期,在众多观念艺术的影响下,一些传统艺术家或索然走向装置或开始对架上绘画的观念、表现对象、表现形式、视觉效果做大胆的尝试和改革。其中改革最为明显的艺术观念、表现形式都与西方流入中国的前卫艺术有着极大的关联。装置艺术在中国有如此大的影响,并且还得到认可和容纳,有其内在的因素。一方面,当代国际艺术的整体性发展是世界艺术史的必然规律,对中国艺术家的刺激和推动也是必然的;另一方面,中国社会实行改革开放以后,经济发达、国人生活水平提高、综合国力增强,社会结构中的某些方面的观念也呈现出工业或后工业时代的趋势。所以,装置艺术在中国还是有了长足的发展。
装置艺术是当代中国现代前卫艺术中重要的艺术样式,它的美学特征是以对传统艺术的反诘与超越为其特征的,此思想热潮很快波及传统的架上绘画,很多传统的绘画创作者开始把目光转向了关注绘画自身的发展问题,在其绘画语言、视觉形式、表现题材上大胆突破,融入大量空间艺术的视觉元素来表现自己的作品,通过对前卫艺术的解读与分析,来改革传统架上绘画的艺术形式,使架上绘画具有时代性的特征。再者,前卫的视觉形式与创新的观念正是架上绘画所追求探索的时代象征,它代表的是作品与时俱进的审美准则,一件优秀的艺术作品必须在拥有前卫观念的情况下,将与时俱进的视觉形式展现给观众。随着中国文化、经济走向世界,形形色色的西方前卫艺术也在中国艺术家们的推从下慢慢流向大众社会,并形成有力、有影响的文化意象,有的画家选择了装置艺术的观念,有的画家敏锐地把握了装置艺术中的形式美学的意蕴,也有的借鉴了装置艺术空间视觉效应。总之,装置艺术所呈现出来的形式、空间、观念、甚至色彩都已被画家们广泛采用,使架上绘画的表现空间逐渐加大,开拓出新的视野,这也必是所有画家们所孜孜以求的目的。
近些年出现的当代架上绘画,特别是当代油画创作已经充分向我们证明:伴随着文化背景的巨大转换以及外来文化与新媒介艺术的巨大影响,一种更新的创作方式已经迫不及待的展现在众人面前。90年代初,以石冲和冷军为主的画家群体开始用架上绘画来表现根据自己的观念制作出来的装置作品。石冲在90年代初创作的一张油画作品《行走的人》就是这个时代具有代表性的当代架上绘画作品之一,它是先由一个观念到装置,再由实物转向画面的过程。以创作此画为例,在前一阶段,石冲更强调的是以象征性的图式符号隐喻生存的荒诞与无奈;而在后一阶段,石冲则重在以非同寻常的想象力与高超的技巧来处理架上绘画的真实空间与幻觉空间这一现实命题。作品中的石膏人物是石冲根据真人翻制的,其处于行走状态中,不仅目无表情地直视着前方,还双手捧着一条被晒干的鱼。这种装置性的绘画作品,以逼真描绘的形式表现甚至会使人忽视画布的二维平面性,而那僵硬冷漠的石膏“人”则在观众眼里变成了不可思议的真实;按照他自己所说的“我试图在不丢开架上绘画的知识和技能的同时输入了装置、行为艺术的创作过程和观念形态,从而创造出‘非自然的摹本’。”
绘画的艺术形式篇5
【关键词】基础绘画教学；理论与实践
素描和色彩是艺术设计专业两门重要的专业基础课。艺术设计的学生在进入大学前都有一到两年的绘画时间，甚至更长。而进入大学后首先要学习的依然是素描和色彩。素描作为一切绘画艺术的基础，以培养学生的观察能力、造型能力和绘画表现能力为主要目的。色彩是培养学生对色彩理性和感性认识，培养学生色彩的审美及运用能力的课程。然而艺术设计类学生并非专业绘画类学生，他们的专业性质决定他们需要的是创造能力，创新能力。对现代设计的敏感和洞察是学生们首要解决的问题。这样一来传统的素描和色彩的教学模式能否能够解决这一问题，是值得我们思考的。我个人认为这两门课程需要除了大量地与实践相结合还需要先进行学情分析，应了解学生的学习思想、学习习惯，尤其是应掌握学生对基础课程的学习兴趣，千遍一律的教学方法和模式是不是发挥不出学生的创造能力，同时会不会消灭学生对绘画的兴趣。所以针对艺术设计类的学生的基础教学需要换一个角度和方法进行引导，为以后的专业设计能力的开发最好准备。
90后的学生有着自己的学习特点，大多数学生思维活跃，发散性思维较强，但却缺乏设计者所必备的沉静和专注。大多数学生在学习中都缺乏专注的学习态度。这对于学习艺术设计以及今后的艺术设计从业者的基本素质确实是一个欠缺与不足。针对这一现象，个人总结绘画教学应当如：吴带当风、曹衣出水。
一、实践教学当如“吴带当风”
从50年代起，我们就一直沿用苏联的一整套教学方法，就当时而言，这是最行之有效的方法，它也为我们国家培养了许多优秀的艺术家。但随着时代的不断变化，西方更多的文化传人进来，仅是这一整套造型教学模式完全不够用，很多学校或是教师开始了寻求别的出路。学习的过程是需要摸索的，包括我也并没有真正从中领悟其重要的文化精神，那就是对绘画真理的认识。我们在西方文化中知道了印象主义、野兽派、立体主义……，知道了马蒂斯、凡高、比加索……，可我们并不知道他们绘画的过程是怎样的，所有人都是独自一人在作画，最后拿出自己已经画好的作品而引起轰动。任何绘画都有自己独特的艺术面貌，艺术家根据自己对画种的掌握程度来决定自己的风格特点，这需要长期地艺术实践，不断探索和总结最后形成一系列丰富多彩的表现技法，独具一格的艺术语言。现在目前我们的教学模式似乎有“子承父业”之嫌疑。一般在上课开始先有任课的教师摆放静物或模特，然后作示范，画出所谓的“范画”，最后学生根据“范画”再来画，画的过程中教师还会时常帮助学生修改画面来达到自己满意的效果。这样的教学只能是培养一批千遍一律的“画工”，不能达到大学培养的目的和要展现的结果。我认为在大学这个阶段的教学应尽量地让学生自己去表现，不能给其定死所要画的内容，应该让学生自己去找自己所感兴趣的事物来画。至于所要表现的形式、色彩、方法教师更不能过多的干预，更你不能说是要为其画“范画”了。这也不是说一点都不管，完全的放任自由，对于一些原则性问题还是应该指出的。我将这种方法称为“吴带当风”，这本来是指唐代时期画家吴道子所画的人物衣服非常随意飘动，像是有风吹过似的。那么，拿来教学过程里面来比方，只要学生所画的如这“衣服”一样还在人的身体上，那就不应该限制“风”应该朝哪面吹，这样才能发挥学生在绘画中的主观能动性，尽可能展现出“千遍千律”。
二、理论教学当如“曹衣出水”
文艺复兴开始绘画拥有了空间和透视的关系，千百年来西方绘画将此作为绘画的基础。我们学习西方，所以从学画开始就必须学会“近大远小”、“一点透视”等理论知识。作为大学的教师，面对已经有一定基础的学生，但不能忽视这些理论的讲授，应该把理论的讲授放在绘画教学的首要位置上。绘画常识理论和技法理论的讲授，可以帮助学生了解掌握解剖、透视、比例、色彩、空间、明暗等等变化规律及构图法则，理性认识技能技巧的要领，为绘画实践打好基础。教师在讲解这些理论时，要求表达要清楚、语言要清晰、简明扼要，并要尽可能得讲深讲透，如有可能还要进行实地观察及演示等实践相结合。例如在讲授由于视点位置的不同所观察到的物体会产生变形、消失现象及近大远小的透视规律时，可以引导学生运用观察感受（室内桌凳、窗户，室外楼房、马路等变化）的方法来获得知识；在讲授构图法则时，通过同一主题的几幅不同构图形式的图例，使学生的思路有所依据，在认识和比较中获得知识。如果教师在理论上作不切实际的过分阐述，或者教师本身对各种力量也只是一知半解的话，也就必然缺乏针对性，不可能讲得深透，演示到位，学生不仅得不到要领，也会在实践中无从下手，更谈不上发展其创造性绘画。可这样说，绘画理论课教学效果的好坏直接关系到学生的后期绘画技能的提高与发展。这我们可以把理论教学称为“曹衣出水”。曹仲达在画人物时所画人物衣衫紧贴身上，犹如刚从水中出来一般，人物的衣服与身体结合的密不透风，因此，我理解理论的教学和也应该做到密不透风，要向对待科学一样的严谨。
艺术设计基础绘画课教学中理论环节是严谨而不能马虎的，实践环节则应是多方面的引导，不能千遍一律的。在基础绘画课教学中，教师面对不同的学生，要因材施教，在思维方式上去正确引导学生，让学生敢于求新，在不同的教学阶段，通过分析点评学生的作品来找到优劣点。只有改革传统的教学模式，培养学生思维的独创性和灵活性，构建新的适应时展的艺术基础绘画课教学模式，方能使高校培养的艺术设计人才具备良好的综合素质。
参考文献
绘画的艺术形式篇6
20世纪中期以后的绘画艺术，在经过漫长的古典主义传统年代及跳跃式发展的富有极强个性的现代主义艺术发展阶段，绘画及其所有的传统技法似乎已面临着山穷水尽的境地，从前绘画艺术所追求的文学性、叙事性以及以画面的空间、透视、明暗、解剖为基础的再现美学已被现代主义艺术抛弃了很久，而此时的现代主义艺术脱离现实生活，脱离普通大众，人们开始认识到现代主义艺术在西方的没落，1965年美国极少主义雕塑家唐纳德・贾德宣布“绘画死亡了”。多少个世纪以来一直以视觉活动为中心的绘画艺术开始丧失了它的中心地位，后现代主义艺术取代了现代主义艺术开始操纵主宰艺术世界。
后现代主义是一个含义十分宽泛的文化概念。它是西方后工业社会文化矛盾冲突中涌现出的新思潮，被广泛应用于社会、政治、经济、工业、科技、宗教、哲学、建筑、文化及艺术等诸多领域。1934年西班牙作家奥尼兹最早在他的著作中用过“后现代主义”一词，但作为一种文化艺术现象并产生全面影响还是在20世纪70年代。而后现代主义艺术就是后工业社会信息时代的文化衍生物，它适应于后工业文明的发展，并逐步取代现代主义艺术成为世界性的主流文化。
当现代主义者们宣布绘画死亡之后，原来呈直线状态发展的绘画停滞了下来，艺术家们纷纷放弃绘画，人们甚至误以为这就是后现代艺术，此时的艺术成了一种纯粹的理论，绘画是否还有存在的必要？然而，人类艺术的发展必然有其自身存在和演化的客观规律。从艺术发展史的角度来看，每当一种艺术形式走到极端的时候，紧接着的必然是一种回归，而这种回归并不是对从前艺术的简单重复。此时，作为人类文明史上一种重要形式的绘画艺术尽管因为现代主义艺术的冲击，丧失了原有的古典传统，但绝不会丧失它存在的价值和意义，具有后现代主义特征的新绘画以反叛、回归、宽容的面目出现了。
新绘画艺术始于70年代后期的德国，进入80年代后，它的各异风格日趋成熟。绘画艺术经过在“黑暗”中的不断摸索，开始了自己的新纪元。
二、新绘画的特征与现状
这群新绘画艺术家从一开始就以反叛的态度来对现代主义艺术进行一场革命，而最本质的特征首先体现在新绘画艺术继承了波伊斯的“社会雕塑”观念。在德国的后现代主义艺术家中，波伊斯被誉为德国来自艺术精神领域的新的社会秩序的先知，他也是德国战后第一位赢得国际声誉的艺术家。波伊斯提出“社会雕塑”观念，认为我们日常生活就是艺术，所有社会成员都对社会形象起作用，如果说杜尚是第一个把日常现成品转换为艺术品的人的话，那么波伊斯就是第一个将日常的生活以及行为转换为艺术的人，并且他继承了杜尚关于艺术本质问题的观念，要让艺术成为一切，一切也都能成为艺术。波伊斯的“社会雕塑”观念的提出，不仅终结了现代主义艺术，也把西方艺术推入了后现代主义阶段。
波伊斯作为新绘画艺术的起萌者，他的以消除所有艺术限定为核心的“人类学”概念越来越深刻地影响着不仅是德国还包括其他所有国家年青的新绘画艺术家们，他们正是沿着这样一条以反叛的姿态来复兴回归传统古典艺术和现代主义艺术的道路，使行将末路的绘画艺术起死回生，尽管他们强烈的否认与传统艺术的联系，但他们仍具有前卫艺术的诸多特征。
在德国，基夫这位波伊斯的嫡传第子，将他老师的某些传统体现于他自己的作品中，他是波伊斯的直接继承人，波伊斯关注的是现实，而基夫关注的却是历史，并采用了绘画手段。他是从德国的文化深处汲取养分，创造出表述德国历史、富有神化色彩并且材料厚重的绘画作品。他的作品既关注自然也关注社会，是一种思想者的绘画，揭示出隐藏于事物深处的美，附绘画以哲理性，体现了基夫对古典绘画艺术中主题思想的复归，基夫通过绘画所要表现的正是这种对德国文化、历史、命运的定义与评价。因此，即使是那些对德国神话、历史只是浮浅了解的人，也可以在想象力的帮助下毫不费力的欣赏他的作品。
基夫从波伊斯那里继承最多的是体现在他大胆地使用非正统的绘画材料来进行正统的架上艺术。他将从前学习的装置艺术也融合在他的绘画作品中，而这种综合媒介的运用更好地体现出他作品所要表达的凝重感：沙子、泥土、干枯的植物、水泥及各种碎屑物掺以乳胶、紫胶、速干油漆等都被运用于他的画面上，造成极其厚重的画面肌理，加上是巨幅的画面，从而达到这种极富冲击力的视觉效果。这种宏大的气势把“艺术家感觉到的是一般未被发觉的东西”展示于观众的面前，造成观众心灵震撼之感，即使是对艺术反应最迟钝的人也会为之感慨。这种感慨应胜过古典主义主题性绘画对人的感受，因为观众的感慨来自于这些原本与艺术毫无关联的材质也能被置于画面中，并且能被艺术家处理得相得益彰。这正体现了基夫在“绘画死亡说”提出之后，究竟以什么样的态度来证明绘画没有死，并且亲自开始绘画艺术的复兴。
人们眼中的基夫，乍看起来是一个使从前的绘画起死回生的英雄，而实际上他的英雄性并非体现在是他复兴了绘画艺术，而是他以反叛的精神继承了绘画艺术，他所复兴的只是绘画这种视觉表达形式，在技法上，他完全抛弃了古典传统绘画中惟妙惟肖的、追求透视及明暗的技法以及现代主义所追求的“纯粹艺术”，打破了片面强调绘画技法的传统，也放弃了形式主义的艺术小品式的表现方式，使绘画领域出现了前所未有的多元化特征，这应该就是基夫对新绘画艺术做出的贡献吧。
早于基夫的另一位德国新表现主义画家巴塞利兹是最早走上新绘画之路的艺术家，他在60年代就开始远离抽象主义画风，坚持创作具象绘画，并使用油画、素描等方式表现人体、风景以及静物等。他的信条是：“新颖的绘画不会来自某种流派，它总是一个独一无二的画家出乎意料的作品！”这说明他认为自己所进行的绘画是有着他鲜明的特征的，不愿把自己拽回到从前绘画的派别之争中，他厌恶那种空洞无物的抽象绘画以及那种传统艺术中文学性主题绘画，于是戏剧性的颠倒的画面形象出现在他的作品中，表现出绘画存在主义的生活情感的磨擦面，他需要通过颠倒形象来作为画面形式的校正剂，达到强化表现的目的。他的这种形象变形是远离抽象主义对画面形象的变形，抽象派是要通过形象的变形，突出绘画的独立性，以更加强化“纯粹绘画”这一精英艺术，而巴塞利兹却要打破这种传统，以人物形象的头脚倒置来对形象进行变形，以反叛的态度继承了形象，他自己也承认：运用倒置的形象是达到“抽象化”的一种手段，观众在欣赏他的作品时，注意力都被吸引到画面上，主题则自然被削弱了。虽然巴塞利兹否认他与抽象派绘画的关系，但这种形象的倒置，多少是对现代主义抽象派艺术风格、形式的一种回归。他说：“我为何不该颠倒呢？绘画是为了表达人的精神的，正是这样，我可以把奶牛画成绿色，把人的脑袋倒置。”他反对现代主义艺术对社会现实的冷漠，也反对传统艺术过于强调的主题，主题的存在仅仅为画家提供了一种控制画面的方法，即使没有主题，什么也都是可能的。他的绘画最终实现了形式主义上的社会反抗，反抗视觉表象上的那种惯性，从而体现出他对社会教条、定规的反叛，对现实社会的颂扬。
三、由新绘画带来的思考
“绘画的复归”成为19世纪80年代这个新十年的主题，德国的画家与他们本国的历史、文化传统相融合，艺术家显然放弃了现代主义者的独创及“进步思想”，让过去重新循环，回归传统的材料、形式，回归原状的轮廊，回归原状的抽象化。随着向一度贬值的传统回归，二手的形式、借来的风格、重新采用的意象，全部应用了起来，而创新的形式不再是追求的中心，取而代之的是人们最熟悉的人以及由人构成的现实社会和现实生活。80年代新艺术的特征是引起轰动或引人注目，而不是理性，不是杰出的技艺，也不是形式的或叙述的逻辑。西方艺术在将近一个世纪的时期内，不断创新求异的思想贯穿始终，而到新绘画艺术的时期，继承前人彻底创新思想的表现形式竟成了反对创新──复归，因此复归与反判就成了后现代主义新绘画的典型特征，艺术的多元化必然因为对过去文化艺术传统的复归变为新的时代特征，绘画的这股复归潮流是伴随着文化以及社会的发展趋势同时到来的，只是它可能在绘画领域表现得更加激烈一些，艺术的这种与现实紧密接合的社会属性，必然使它永远充满生机活力，并且由于它对现实文化的敏感反应，将使它永远走在社会发展的前沿，成为代表人类社会文化精神的使者。
后现代主义新绘画艺术的复归与反叛这两个显著特征，也是艺术发展史上的永恒的艺术规律。正如易英先生所说：“一种艺术语言越精致，也就是它在表现力上越贫乏的时候，这时只有实行语言的重构才能恢复它的活力。”古希腊艺术发展到希腊化以后，《米罗岛上的阿芙罗底德》风姿绰约，玉体毕现，人体比例和谐一致，模拟自然无懈可击。可是到了中世纪，教堂的钟声推毁了古希腊的文明，苦涩神秘的中世纪文化，尽管泯灭了人性，但中世纪的艺术仍是人们启示的源泉；文艺复兴尽管是打着复兴古希腊古罗马艺术的口号，但是文艺复兴绝非仅仅为了使湮没千年之久的古典文化重放光彩，而是在弘扬古典文化的名义下，来重新建构新的艺术语言，表达新的价值观念。因此，复归是一种形式，反叛才是艺术的本质。
